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米开朗基罗·博那罗蒂（Michelangelo di Lodovico Buonarroti Simoni，1475年3月6日－1564年2月18日），意大利雕塑家、绘画家、诗人兼建筑师。米开朗基罗是文艺复兴时期杰出的雕塑家、建筑师、画家和诗人，与列奥纳多·达芬奇和拉斐尔并称“文艺复兴艺术三杰”，以人物“健美”著称，即使女性的身体也描画的肌肉健壮。他的雕刻作品“大卫像”举世闻名，美第奇墓前的“昼”、“夜”、“晨”、“暮”四座雕像构思新奇，此外著名的雕塑作品还有“摩西像”、“大奴隶”等。他最著名的绘画作品是梵蒂冈西斯廷礼拜堂的《创世纪》天顶画和壁画《最后的审判》。他还设计和初步建造了罗马圣伯多禄大殿，设计建造了教皇尤利乌斯二世的陵墓。米开朗基罗脾气暴躁、不合群，和达芬奇与拉斐尔都合不来，经常和他的恩主顶撞，但他一生追求艺术的完美，坚持自己的艺术思路。米开朗基罗1475年生于佛罗伦萨共和国卡普雷塞，1564年在罗马去世，时年88岁。他的风格影响了几乎三个世纪的艺术家。 米开朗基罗在雕塑、绘画、建筑、诗歌等众多艺术当中均取得了辉煌成就，这在迄今为止的人类文明史上，还是绝无仅有的。他的成就如此杰出，以至于在他37岁时，世人就把他尊为“神圣的米开朗基罗”。米开朗基罗代表了欧洲文艺复兴时期雕塑艺术的最高峰，他的大量作品显示了写实基础上非同寻常的理想加工，成为整个时代的典型象征。他的艺术创作受到很深的人文主义思想和宗教改革运动的影响，常常以现实主义的手法和浪漫主义的幻想，表现当时市民阶层的爱国主义和为自由而斗争的精神面貌。米开朗基罗在艺术作品中倾注了自己满腔悲剧性的激情，这种悲剧性是以宏伟壮丽的形式表现出来的，他所塑造的英雄既是理想的象征又是现实的反应。这些都使他的艺术创作成为西方美术史上一座难以逾越的高峰。 “我不是雕塑家米开朗琪罗，我是米开朗琪罗.博纳洛蒂”——米开朗基罗
此画是一个传统题材，主要是描绘圣母、圣约瑟和圣婴基督。不过，画家在这一幅画上的三个宗教形象已经完 全成为了民间生活的普通人物。画家把约瑟、玛利亚表现在专注于圣婴的天伦乐趣之中。画面通过三个人物戏剧性 的组合，得到了和谐的、世俗化的体现。圣家族就在一块草地上休憩，背景上还有几个裸体像，好像有一个野外浴 池。构图紧凑，主调和谐，给人以亲切之感。
米开朗基罗的艺术创作受人文主义思想和受萨伏那洛拉宗教改革运动的影响，以现实主义的方法和浪漫主义的 幻想，表现当时市民阶层的爱国主义和为自由而斗争的精神，在艺术上具有坚强的毅力和雄伟的气魄。女预言家利 比亚是西斯廷教堂内壁画的一部分，是先知和巫女的形象。她正翻开一本书，扭曲着的身体极富动感，严谨的人物 造型和画家独特的“明暗均衡法”使人物产生了雕塑般感觉，红色衣裙和绿色衬布对比强烈，使观赏者不能不由衷 赞叹大师高超的艺术魅力。
《创造亚当》为西斯廷教堂天顶画《创世纪》中最引人注目的一部分。图中描写了上帝创造亚当的宗教传说。据载，上帝按照自己的形 象用尘土造人，将生气吹入其鼻孔使他成为“有灵的活人”，取名亚当，并将他及其妻夏娃同置于伊甸园中。此画 中的亚当是一个健壮的裸体男青年，却缺乏应有的活力。至高无上的耶和华身披宽大的斗篷，在天使们的伴随下， 正向他飞来。耶和华饱含精力的手指伸向亚当，亚当慵倦地斜卧于山坡之上。亚当成熟、健壮的身躯在深沉的土色 中显露出来。他右臂依在山坡上，左腿自然蜷曲，左臂伸向上帝，似乎在那惊天动地的一触之间，他健壮的身躯和 浑身的肌肉就要迸发出无穷的力量。在这幅作品中，体现了画家对人的赞美，以及他对人充满信心的人文主义思想。 《创造亚当》是整个天顶画中最动人心弦的一幕，这一幕没有直接画上帝塑造亚当，而是画出神圣的火花即将触及亚当这一瞬间：从天飞来的上帝，将手指伸向亚当，正要像接通电源一样将灵魂传递给亚当。这一戏剧性的瞬间，将人与上帝奇妙地并列起来，触发我们的无限敬畏感，这真是前无古人，后无来者。 体魄丰满、背景简约的形式处理，静动相对、神人相顾的两组造型，一与多、灵与肉的视觉照应，创世的记载集中到了这一时刻。上帝一把昏沉的亚当提醒，理性就成了人类意识不停运转的"机器"。亚当慵倦地斜卧在一个山坡下，他健壮的体格在深重的土色中衬托出来，充满着青春的力与柔和。他的右臂依在山坡上，右腿伸展，左腿自然地歪曲着。他的头，悲哀中透露着一丝渴望，无力地微俯，左臂依在左膝上伸向上帝。上帝飞腾而来，左臂围着几个小天使。他的脸色不再是发号施令时的威严神气，而是又悲哀又和善的情态。他的目光注视着亚当：他的第一个创造物。他的手指即将触到亚当的手指，灌注神明的灵魂。此时，我们注意到亚当不仅使劲地移向他的创造者，而且还使劲地移向夏娃，因为他已看见在上帝左臂庇护下即将诞生的夏娃。我们循着亚当的眼神，也瞥见了那美丽的夏娃，她那双明亮妩媚的双眼正在偷偷斜视地上的亚当。在一个静止的画面上，同时描绘出两个不同层面的情节，完整地再现了上帝造人的全部意义。
《逐出伊甸园》为西斯廷教堂天顶画部分之一。画家把亚当、夏娃偷吃禁果和他们被逐出伊甸园两个情节画在 一幅画上，中间用智慧树与蛇分开，构图匀称协调。左边形体健美的夏娃居于中心地位，她大胆地摘取禁果表现了 对命运的挑战。这个形象是画家的杰作之一，整个乐园之美是通过这一形象体现出来的。她既无肉欲又不贪婪，从 她的脸上我们感到了人物的思想、性格和意志。右边的亚当成为视觉的焦点，他的手势在试图保护自己的妻子，没 有后悔和羞耻。画家按照自己的方式处理画面，强调了人物高傲、独立自主的感情。 上帝创造天地万物以后，又造了人类的始祖亚当夏娃，并把他们放在伊甸园中。告诉他们园中一 切果子都可以吃，唯有分别善恶树上的果子不能吃，吃了必定死。魔鬼化做蛇去引诱他们吃了那树的果子。他们才知道自己赤身裸体，便用无花果叶子编成裙子遮丑。上帝知道后非常震怒，于是将他们赶出了乐园。这就是基督教中所说的原罪。 米开朗基罗在这个画面上描绘了两个情节：亚当和夏娃偷吃禁果和被天使逐出伊甸园。这一题材曾被很多艺术家表现过，不同的时代和不同的艺术家所揭示的思想意义不一样。在米开朗基罗的笔下，亚当和夏娃除了具有凡人的肉体和情感之处，还有更深层的含义，那就是广泛而深刻的社会意义和人生意义。 画幅中间以蛇和天使盘踞的善恶树将画面一分为二，右面描写亚当和夏娃在蛇诱导下采摘树上的果实，亚当和夏娃既没有偷食的慌张，更没有违背上帝旨意的犯罪感，这与马萨乔画的亚当和夏娃处于上帝支配的从属地位不同。米开朗基罗认为，人和上帝是平等的，上帝拥有的，人也应该获得，在这幅画中人的地位和价值最终得到确立。画幅左面，天使挥动宝剑将亚当和夏娃逐出乐园，亚当双手握拳，既有拒绝和反抗之意，也有自卫和护卫妻子的状态，夏娃的胆怯是弱女子的本能反映，他们是大踏步地离开天堂，来到人间的。 这个形象似乎在说： “我早就要离开天堂，我要靠自己的劳动创造幸福美满的生活。”在米开朗基罗的心目中，人已不再是上帝的奴仆，而是能主宰自己命运的主人。他所创造的人物，无论男女，个个都是创造世界的力士。他认为好的绘画必须有雕塑那样的体积感。
此画是米开朗基罗在西斯廷教堂完成天顶画25年以后，在同一个教堂进行的又一项大创作。画家时年61岁，从 1535 年末到1541 年10 月底，用了近6 年的时间，在将近200 平方米的祭坛后的大墙上，绘出了数以百计真人大小 的裸体群像。 此画历来被美术史家们称为人体解剖的百科全书。 米开朗基罗对人体解剖学有极其精深的研究，为此他亲自解剖了数十具尸体，对人体的肌肉，骨骼作了详细的研究，并达到严重影响食欲的程度。 此画上中心耶稣的右下方坐着的老人，手中拿着一 张人皮，人皮上的脸，就是作者自己。作者是有意画上去的。 这幅气势磅礴的《最后的审判》体现了画家的人文主义思想，他要用正义惩罚一切邪恶，“末日”意味着人类 悲剧的总崩溃。画家用超人的勇气，全部采用裸体形象展示，这又一次证实了他敢于肯定人的意义。画中的基督被 画家表现为复仇之神，他曾拯救过尘世，但尘世拒绝了他。审判尘世的基督没有怜悯，只有公正、威严和至高无上 的权力。耶稣旁边的是圣母马利亚，不敢去正视这悲剧的“世界末日”，对这位善良的妇女来说，是太可怕了。壁画有着极强的艺术感染力，裸露的人体与天空的灰蓝色调子相对照，使画面充满戏剧性的紧张气氛。 这是一幅宏大壮丽的图画，初看上去，似有纷繁杂乱之感，细观之，则人物组合有序。画家塑造了二百多个真人大小的、具有力士般的巨人。全画以耶稣为视觉中心，形成一个视觉左右对称均衡和谐的章法，人物的组合构成漩涡状，好像把披风卷起的人群。这些 人物有的有名有姓，有的泛指一 定的社会阶层。艺术家以超人的勇气，全部采用裸体形像来表现，赤条条来，赤条条去，去面对上帝。表现了画家对现实存在的罪恶无情的揭露和鞭挞以及对黑暗社会及腐败统治者的裁判，为正义声张。我们从他画中人物形象塑造看，他画的人物和情节完全是画家所处的时代和经历的社会生活中的人和事、善和恶、真和美。
1497年11月，法国驻圣座大使委托米开朗基罗创作雕塑圣殇像（或译圣母哀悼基督、圣母怜子），这件雕塑后来成为米开朗基罗最著名的作品之一。委托合同在次年8月签订。作品完成时，米开朗基罗只有23岁。作品受到了时人的好评。据记载，雕塑完成不久，米开朗基罗得知有传言称雕像的创作者是克里斯多弗罗·索拉里，米开朗基罗随即在雕像中圣母胸前的肩带上刻下了MICHAELA[N]GELUS BONAROTUS FLORENTIN[US] FACIEBA[T]（佛罗伦萨的米开朗基罗·博那罗蒂所作）。这也是米开朗基罗唯一一件有签名的作品。这件作品至今保存在梵蒂冈的圣伯多禄大殿里。近年，有研究者认为拉奥孔与儿子们并不是古罗马的作品，而是米开朗基罗在罗马的这一段时间里的创作。 耶稣被钉上十字架后，圣母和门徒们立即赶来奔丧，耶稣托付约翰好好照顾自己的母亲，并对大祭司波拉多说：“我 一向光明正大地对世人说话”，说完即仰面向苍天大声呼号：“父 啊 ”即断了气，圣母将儿 子的尸体抱在怀里，陷入深深的悲哀之中。米开朗基罗《哀悼基督》雕像表现耶稣基督被钉死在十字架上后，圣母玛丽亚抱着耶稣身体痛哭的情景。 米开朗基罗接受这件雕刻时，正值萨伏纳罗拉被教庭火刑，此事深深地震动了他的心灵，他决定将自己的怜悯和崇敬 注入永恒的石头。雕刻家在构思时毅然超越一般哀悼的情节，大胆地将萨伏纳罗拉的精神和自己的思想感情，社会理想融在 一起塑造圣母和基督的形象，紧紧把握基督临终前的表白：“我一向是光明正大地对世人说话”。雕刻家 以耶稣为自己心 目中崇敬的萨伏纳罗拉，而以圣母象征祖国意大利，祖国为失去伟大的儿子而哀悼。 大理石在米开朗基罗榔头和凿子下十分柔顺，他随心所欲地雕刻出光滑的人体和折褶繁复的衣纹，透过细微的动态表 情，窥视到雕像内在的情感。在这里完美的雕刻技巧已完全融化在 艺术形象之中，雕刻家赋予大理石以鲜活的生命。 红衣主教格罗斯拉耶来看他雕刻的进展 情况，惊奇地问道：“告诉我，我的孩子，圣母的面貌怎么能保持得这么年轻，比她的儿子还年轻呢?”米开朗基罗回答“主教大人，在我看 来，既然圣母是纯洁崇高的化身，是神圣事物的象征，就一定能避免岁月的折磨和世事的毁损，所以她能保持青春的鲜丽。 ”主教对米开朗基罗的回答感到十分满意。雕刻家所创造的圣母体现了青春的永恒与形象的不朽性。 圣母年轻而美丽，形象温文尔雅，身着宽大的斗篷和长袍，右手托住耶稣的身体，左手略向后伸开，表示出无奈的痛苦；头向下俯视着爱子的身体，似乎正陷入深深的悲伤之中；细密的衣褶遮住了厚实的双肩，面罩衬托出姣美的容貌。圣母的表情是静默而复杂的，不只倾泻了无声的哀痛，也不只充满了哀思和祈祷，是一种洋溢着人类最伟大最崇高的母爱的感情。米开朗基罗说：“圣母玛丽亚是纯洁、崇高的化身和神圣事物的象征，所以必能永远保持青春。”所以在这里，米开朗基罗突破了以往宗教作品中苍白衰老的模式，把圣母刻画成一个容貌端庄美丽的少女，却并未因此而影响到表现圣母对耶稣之死的悲痛。圣母的美是直观的，但她的悲哀却是深沉的。她所体现出的青春、永恒和不朽的美，正是人类对美的追求的最高理想。 雕像中死去的耶稣肋下有一道伤痕，脸上没有任何痛苦表情，横躺在圣母玛丽亚的两膝之间，右手下垂，头向后仰，身体如体操运动员一般细长，腰部弯曲，表现出死亡的虚弱和无力。 雕像被安放在圣彼得教堂的法国国王小礼拜堂里，立刻轰动罗马，如此哀宛动人的雕像在意大利文明史上还从来没有 过，人们不相信这组雕像是出自一位年轻的雕刻家之手。米开朗基罗只得在圣母胸前的饰带上刻着“佛罗伦萨人米开朗基罗 ·波纳罗蒂雕”，从此“米开朗基罗”的名字响遍了意大利。 作品采用了稳重的金字塔式构图，圣母宽大的衣袍既显示出她四肢的形状，又巧妙地掩盖了身体的实际比例，解决了构图美与人体实际比例之间的矛盾问题。耶稣那脆弱而裸露的身体与圣母衣褶的厚重感以及清晰的面孔形成了鲜明的对比，统一而富有变化。雕像的制作具有强烈的写实技巧，作者没有忽略任何一个细节，并对雕像进行了细致入微的打磨，甚至还使用了天鹅绒进行摩擦，直到石像表面完全平滑光亮为止。这一切都赋予了石头以生命力，使作品显得异常光彩夺目。
499年至1501年间，米开朗基罗回到了佛罗伦萨。佛罗伦萨原来的精神和世俗领袖，反对文艺复兴的修士吉罗拉莫·萨沃纳罗拉在1498年被处以火刑，皮耶罗·索代里尼（英语：Piero Soderini）渐渐得势，佛罗伦萨共和国的形势转好。羊毛同业公会委托米开朗基罗创作一件巨大的大卫雕像，作为佛罗伦萨自由的象征，完工后摆放在维奇奥宫前的领主广场上。同业公会提供的大理石，是阿戈斯蒂诺·迪·杜乔（英语：Agostino di Duccio）在40年前用过的。1504年，米开朗基罗完成了大卫像。这一出色的杰作，突显了米开朗基罗非凡的技术和出众的想象力，奠定了他作为雕塑家的地位。 《大卫》，云石雕像，像高2.5米，连基座高5.5米，是在一块被人损坏过，而没有雕刻家再敢于动手的，闲置了近半个世纪的巨大大理石上雕刻而成的。米开朗基罗创作于公元1501－1504年，现收藏于佛罗伦萨美术学院。 米开朗基罗生活在意大利社会动荡的年代，颠沛流离的生活使他对所生活的时代产生了怀疑。痛苦失望之余，他在艺术创作中倾注着自己的思想，同时也在寻找着自己的理想，并创造了一系列如巨人般体格雄伟、坚强勇猛的英雄形象。《大卫》就是这种思想最杰出的代表。 大卫，古以色列国第二代国王，是圣经中的少年英雄，曾经杀死侵略犹太人的非利士巨人哥利亚，保卫了祖国的城市和人民。米开朗基罗没有沿用前人表现大卫战胜敌人后将敌人头颅踩在脚下的场景，而是选择了大卫迎接战斗时的状态。在这件作品中，大卫是一个肌肉发达，体格匀称的青年壮士形象。他充满自信地站立着，英姿飒爽，左手拿石块，右手下垂，头向左侧转动着，面容英俊，炯炯有神的双眼凝视着远方，仿佛正在向地平线的远处搜索着敌人，随时准备投入一场新的战斗。 《大卫》体格雄伟健美，神态勇敢坚强，身体、脸部和肌肉紧张而饱满，体现着外在的和内在的全部理想化的男性美。这位少年英雄怒目直视着前方，表情中充满了全神贯注的紧张情绪和坚强的意志，身体中积蓄的伟大力量似乎随时可以爆发出来。与前人表现战斗结束后情景的习惯不同，米开朗基罗在这里塑造的是人物产生激情之前的瞬间，使作品在艺术上显得更加具有感染力。他的姿态似乎有些象是在休息，但躯体姿态表现出某种紧张的情绪，使人有强烈的“静中有动”的感觉。雕像是用整块的石料雕刻而成，为使雕像在基座上显得更加雄伟壮观，艺术家有意放大了人物的头部和两个胳膊，使的大卫在观众的视角中显得愈加挺拔有力，充满了巨人感。 这尊雕像被认为是西方美术史上最值得夸耀的男性人体雕像之一。不仅如此，《大卫》是文艺复兴人文主义思想的具体体现，它对人体的赞美，表面上看是对古希腊艺术的“复兴”，实质上表示着人们已从黑暗的中世纪桎梏中解脱出来，充分认识到了人在改造世界中的巨大力量。米开朗基罗在雕刻过程中注入了巨大的热情，塑造出来的不仅仅是一尊雕像，而是思想解放运动在艺术上得到表达的象征。作为一个时代雕塑艺术作品的最高境界，《大卫》将永远在艺术史中放射着不尽的光辉。 大卫这一英雄题材曾为历代大师所用：多纳泰罗雕过符合《圣经》传说的少年大卫，显出喜悦和悠然自得的神情。委罗基奥也创造过身披铠甲的武士大卫，他们都是凯旋的胜利者。唯有米开朗基罗，既超越圣经中文字记载，也超越了先辈大师们的模式，他塑造的大卫，是个成熟的年轻人，靠他那颗伟大的心和那双强有力的手，面对哥利亚那样身穿一千磅胸甲的巨人而毫无畏惧，才能赤手空拳打死闯入羊群的狮子和熊。精心刻画了大卫临战前的一刹那头部微微转向左方，双目紧紧地凝视着敌人，左手握着肩上的投石器，右手自然的下垂，略握拳头，外表的平静，使塑像更具内在的紧张和运动感，更加显示出大卫的沉着、勇敢和必胜的信念。米开朗基罗心目中的大卫，是个充满青春活力的英勇斗士，勇气和正义的化身，同时，也是当时佛罗伦萨市民心目中抵御外敌、保卫祖国的象征。他是一个伟大时代的标志，它标志着人类觉醒。 米开朗基罗的大卫选择决战前的瞬间，以全裸体站立姿式，重心落在一只脚上，显得轻松自然，表现出面对强敌毫不畏惧，胸有成竹，具有决战决胜的精神，身体呈正面而头部转侧，可见他怒目直视前方，有一种准备迎接战斗之势，这种身体的放松和精神的专注形成对比，更显得蕴含无穷的内在力量，由于它是裸体，更具有超越一切的广泛的社会意义，人们视它为保卫祖国，高度警惕，时刻准备战胜一切侵犯之敌的保护神。 为了艺术品的保护，《大卫》原作被放在佛罗伦萨美术学院中，同时在市政厅门前还矗立有一座复制品供来自世界各地的人们欣赏。
米开朗基罗受委托为西斯廷礼拜堂绘制天顶画，大约花了4年时间（1508年至1512年）。根据米开朗基罗的自述，是多纳托·伯拉孟特和拉斐尔说服了教宗委托米开朗基罗在他不熟悉的一种媒质上进行创作。这样的话，米开朗基罗与他的对手，正处在高峰时期的顶尖壁画画家拉斐尔相比时就会相形见绌。然而，当代艺术史学家根据现在的证据否认了这个故事，并断定这只是艺术家自己的观点而已。 西斯廷教堂天顶画由九个叙事情节组成，以圣经《创世记》为主线，分别为"分开光暗"、"划分水陆"、"创造日月"、"创造亚当"、"创造夏娃"、"逐出伊甸"、"挪亚祭献"、"洪水汜滥"和"挪亚醉酒"。绘制的壁柱和饰带把每幅图画分隔开来，借助立面墙体弧线延伸为假想的建筑结构，并在壁柱和饰带分隔的预留空间绘上了基督家人、十二位先知以及二十个裸体人物和另外四幅圣经故事的画面。米开朗琪罗以自身处境与周边环境的和解最终让西斯庭天顶和创世记言归一体。 天顶画分为两个创作阶段，第一阶段从1508的冬天至1510年的夏天。第二阶段从1511年2月到1512年10月，历时四年。米开朗琪罗把自己封闭在教堂之内，拒绝外界的探视，从脚手架设计到内容安排、从构图草创到色彩实施全部由他一人掌握完成。居高不下的处境，曲身仰视的姿态，集中的心情，舒展的灵思，一天天慢慢缩小着一块块距离，一块块慢慢充实一天天的内容。辛苦到达的天界，回过头去谁也不曾看到过。为教皇在梵蒂冈的西斯廷教堂画壁画，用了四年时间凭一个人在五百多平方米的天顶上画了三百四十三人，对于如此宏大的工程，只有一个调制颜料干杂活的助手。 当拉斐尔看到西斯廷教堂天顶画后，说：有幸适逢米开朗琪罗时代。 在这之后的几个世纪，包括拉斐尔，世界又出现了许许多多的艺术大师和作品，更不要说在其它领域里的发展，这是人类的幸运。米开朗琪罗的艺术是一种不可逾越的成就。
《摩西像》，大理石雕像，高235厘米，米开朗基罗创作于公元1513－1516年，（局部完成于1542年-1545年）现位于罗马梵蒂冈圣彼得大教堂。在陵墓已完成的雕塑中，最著名的就是这尊《摩西像》。 1505年，受新任教宗儒略二世之邀，米开朗基罗回到罗马。儒略二世委托他为教宗自己设计陵墓。由于这期间教宗还不断委托米开朗基罗创作其它作品，陵墓的设计工作时常被打断，以致用了40年才完成。陵墓位于罗马的圣伯多禄锁链堂，中心是摩西像。 摩西是先知中最伟大的一个。他是犹太人中最高的领袖，他是战士、政治家、诗人、道德家、史家、希伯来人的立法者。米开朗基罗用壮年来表现。因为青年是代表尚未成熟的年龄，老年是衰颓的时期，只有壮年才能为整个民族的领袖，为上帝的意志作宣导使。他的衣服，如在米氏其他作品中一样，纯粹是一种假想的；它的存在不是为了写实，而是适应造型上衬托的需要。因了这些衣褶，腿部的力量更加显著；雕像下部的体积亦随之加增，使全体的基础愈形坚固。末了，我们还得注意，《摩西》大体的动作是非常简单的：这是意大利文艺复兴盛斯翡冷翠派艺术的特色，亦是罗马雕刻的作风，即明白与简洁。
《反叛的奴隶》又名《被缚的奴隶》，塑造一位强健有力的裸体青年奴隶侧转着身体，胸腰间被一条象征性的绳索缚住，突出的肩肌和隆起的胸肌蕴蓄着极大的力量，雕像具有运动的节奏，他那壮实的躯体呈螺旋形拧起；他力图挣脱身上的绳索，这种动势的转折，体现了巨大的内在激情，似乎将要迸发一股无比强大的反抗力，相比之下，身上的绳索则显得那么脆弱无力，似乎仅仅成了装饰品。他的头高昂着，紧闭着嘴唇，眼睛圆睁着，眼神中流露出反抗的愤怒和坚强不屈的意志。突出的肩肌和隆起的胸肌蕴蓄着极大的力量，但又不能施展，只得举头祈望解脱，作品中的人物一样具有一种被压抑、被束缚而渴望解脱的痛苦，和实现理想的要求。 米开朗基罗的《垂死的奴隶》与《被缚的奴隶》把年轻的奴隶雕成渴求解放而不可得的两个青年壮汉,雕像中的奴隶都被塑造成了渴望自由和解放的强壮青年，都有着年轻而健美的体魄他们具有力士般健美的体魄，两个英勇的斗士，是人的尊严达到了完美地体现。米开朗基罗曾写到：“在这样奴隶般和这样寂寞无聊的条件下，在斜路上，在极端的精神疲乏中，我应该雕刻自己神圣的制作……”。在这里，人的尊严得到了高度体现。艺术家以卓越的技巧使这两块冰冷的石头产生出生命的活力，这种优美的造型感受，正是米开朗基罗所期望达到的效果。 (责任编辑：RGB) |
